No tengo un top five este año. Vi La gran belleza la semana pasada y salí conmovido y maravillado del cine, enamorado una vez más de Paolo Sorrentino y de su elegancia, de su manierismo, de su forma de filmar a las personas. También de Toni Servillo, posiblemente el mi actor favorito vivo, ese cínico “ma non troppo” escritor de 65 años que está de vuelta de sí mismo pero sin caer en la melancolía, con lo sencillo que puede llegar a ser eso. Sí, La gran belleza es un candidato tan claro a número uno del año, a ser esa película que no olvidaré de 2013…

Cuando me preguntan cuál es la mejor película que he visto en mi vida digo que es El Padrino. Y lo digo de corazón, me parece que por mucho que se la alabe, que sea un tópico, un lugar común, que todo el mundo diga lo mismo… cojones, es que es la mejor, es que está en la cima porque se lo merece. Pero a lo mejor algún avispado insiste un poco y me dice: “No, pero cuál es tu película favorita de verdad”. Y entonces contesto, “ah, de verdad es La princesa prometida”, a la que una vez definí como el amor cinematográfico de mi vida.

La mejor película que he visto este año es La gran belleza. Pero mi película favorita es Las ventajas de ser un marginado, de Stephen Chbosky. Y lo es porque fui a verla dos veces en pantalla grande, porque la vi en un momento en el que la historia de esos tres adolescentes desterrados de la sociedad “normal” me retorció por dentro como hacía mucho que no hacía ninguna película. Porque pienso en ella constantemente, porque recuerdo detalles de lo que ocurre, porque sigue pareciéndome un increíble canto a la amistad más sincera, a la que consiste en cuidar del que tienes a tu lado, en cualquier circunstancia, en un año donde he necesitado que me cuiden y he cuidado a gente que lo necesitaba como nunca lo había hecho antes.

Y porque después de todo Butaca no numerada nunca consiguió ser una columna sobre cine, siempre acabó siendo una columna sobre mí mismo viendo películas. Así que si tengo que ser sincero, esta, y no otra, es mi película del año.

Y ahora, una vez más, le daré a “publicar”, programando la hora. Revisaré el texto pre publicado. Veré que los enlaces están bien. Luego echaré un vistazo a lo que ha escrito Marcos para Textos del cuervo, porque siempre me gusta leerlo un día antes que los demás. Y, un día más, seré infinito.

Hasta pronto.

Vamos con las tontás que nos ha dado este año de cine (del cine que he visto yo), que han sido muchas y muy variadas:

Lo más tontorrón: El concurso de baile de El lado bueno de las cosas, ya sabéis, esa película que habla de lo divertido que puede ser tener problemas mentales y que el acoso a una ex mujer se hace por amor y es bonito. La muy ridícula femme fatale que hace Catherine Zeta Jones en Efectos secundarios (y no hablemos de su relación lésbica. No lo hagamos). La cara de INTENSITO de Quim Gutiérrez en La gran familia española, tronco, relájate. Y los diálogos en Stockholm, todos ellos (y los de Después de mayo, que vaya tela).

Lo más extraño: la voz en off de El muerto y ser feliz, aunque uno se acaba acostumbrando bien a ella, ¿eh? El congelador de Cabás, un ente con vida propia. Y Didac Alcaraz, un ser humano alucinado y alucinógeno a lo largo de Mi loco Erasmus. ¡Consigue desconcertar a Miguel Noguera y todo! Oh, y esa santa, ESA SANTA, en La grande bellezza.

Lo más divertido: el impagable trío de azafatos, Javier Cámara, Raúl Arévalo y Carlos Areces, en Los amantes pasajeros (y sí, en especial la escena de la canción que ya vieron todos en el trailer). El mundo es nuestro: si eres sevillano no paras de reírte, si no lo eres ya he visto que también bastante. Esa prostituta hilarante que hace Rosa Torres en Cabás.

Lo más guapo: Brad Pitt caminando entre zombies, mirada al frente, el señor “petarlo” en Guerra Mundial Z. Me soplan por el telefonillo que Fassbender sale muy morboso en El consejero, y a su manera también lo es Ezra Miller en Las ventajas de ser un marginado. Los muy guapos enanos de El hobbit y el musculado Matthew McConaughey no pueden competir con Jamie Foxx en Django desencadenado: por el amor de dios, qué portento, qué señor.

Y de ellas, he tenido un año muy de “not my cup of tea”, actrices que no suelen gustarme pero que han aparecido de algún modo en pantalla que algo se me ha removido por dentro. Así me ha pasado con Cate Blanchett en Blue Jasmine, con Verónica Echegui en La gran familia española, o con Cameron Diaz en El consejero, absolutamente salvaje y animal. Mis clásicas, Jessica Chastain en Zero dark thirty y Juliette Binoche en Camille Claudel. 1915 siguen siendo dos bellezas aun sin quererlo. Pero me quedo con Emma Watson, todo dulzura, preciosa en Las ventajas de ser un marginado. ¡Y mayor de edad! (uf)

Lo más dulce: la chica iraní de La mía classe incapaz de explicar por qué no quería volver a Irán. Lo mucho que se cuidan entre sí los tres protagonistas de Las ventajas de ser un marginado. Y Quvenzhané Wallis, la valiente niña de Bestias del sur salvaje.

La película política: A su manera, Bestias del sur salvaje es la mayor y más honesta defensa de la libertad individual absoluta que he visto nunca.

Pues a mí me gustó: Oigan, yo lloré con Los miserables. Que les vayan dando.

Y la semana que viene, el top five: las dos primeras las tengo más que claras, las demás… ya veremos.

En fin, que termina ya 2013 y ha sido un año algo decepcionante en lo cinematográfico para mí. Una gran primera mitad que se ha ido desinflando hasta tal punto que empiezo a preguntarme si el cine ya no me gusta como me gustaba antes o si he perdido capacidad de sorpresa o de apasionamiento por lo que veo en pantalla. Por primera vez en años no he tenido ninguna película que me haya dejado clavado en el asiento, no ha habido un Drive, un Holy Motors, un Che que me haya hecho salir bailando del cine. Buenas películas, alguna excelente, pero ninguna que me haya marcado. Aunque en una semana se estrena La grande bellezza de mi amado Paolo Sorrentino. Veremos.

Entretanto vamos con el resumen del año, como marcan las costumbres de esta casa.

Lo más impactante

Esos cuarenta últimos minutos de Zero Dark Thirty, donde Jessica Chastain sale de plano y lo que vemos es la impecablemente resuelta, aséptica, limpia operación de captura de Osama Bin Laden por parte de un cuerpo de élite del ejército norteamericano. También la pérdida de control de Sandra Bullock después del primer impacto de la basura espacial en Gravity. Los cubos, ¡los cubos!, de Cabin in the woods. (SPOILER) Y el “cuarto de tortura” que construye Hugh Jackman para el pobre Paul Dano en Prisioneros. Madre de dios bendito.

Y ha sido un año muy impactante en cuanto a sexo en la pantalla. Desde la escena del siluro (ahí lo dejo) de Cameron Díaz en El consejero hasta la incómoda, desagradable y humillante escena del stripper en Paraíso: amor. Y por supuesto ese infinito primer encuentro sexual entre Léa Seydoux y Adèle Exarchopoulos en La vida de Adèle: quince minutos de cuerpos dándolo todo para incomodidad, risitas, excitación y curiosidad de la platea.

Oh, y un guiño a mi buen Pedro Toro, ese “bad guy” de la muy especial Cabás de Pablo Hernando: su primera aparición, baile incluido, es una de mis escenas favoritas del año.

Lo más decepcionante

El cine español, en general: sé que ha habido menos películas que otros años gracias a esa hermosa política de torturar nuestro cine que lleva a cabo nuestro gobierno, pero quitando alguna excepción en general he salido descontento de casi todas las películas españolas que he visto este año. Por concretar en un par: La gran familia española es una comedia espantosa y Stockholm es la mayor decepción por culpa del “hype” que he tenido y por unas interpretaciones opuestas a cualquier cosa que pueda gustarme.

Creo que si Steven Soderbergh hubiese estado a mi lado lo habría matado con mis manos desnudas por el estropicio que hace con la segunda mitad de Efectos secundarios después de una primera parte brillante. Los mimados de la crítica francesa Assayas y Dumont se pierden en la propia contemplación de su ombligo en Después de mayo y Camille Claudel. 1915 respectivamente. Mud tenía tan buena pinta que quedarme en “entretenida” me supo a muy poco. Y tres decepciones que tienen que ver más con mis expectativas que con el resultado final dela película en sí: no pudo darme más igual la Adèle de La vida de Adèle, Turistas es curiosa pero no vi revolución alguna ni nada particularmente reseñable, y Searching for sugar man se salva por su excelente banda sonora pero, eh, es como ver una película de Paulo Coelho.

Los papelones

Cate Blanchett, poderosa, magnética, excesiva, brillante, espectacular en Blue Jasmine, la mejor interpretación femenina del año. Que La vida de Adèle me diese lo mismo no me impide ver el maravilloso trabajo de Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux, con un nivel de compromiso con la película insuperable. Y muchas más: inquietante y extrema Cameron Díaz en El consejero, fresquísima Tea Falco en Tú y yo, intensísima Marián Álvarez en La herida, valiente Margarete Tiesel en Paraíso: amor, simplemente maravillosa Greta Gerwig en Frances Ha. Qué buen año de actrices.

Entre ellos, todos la miraban a ella pero yo me conmoví mucho más con Jean-Louis Trintignant en Amour. José Sacristán lo borda en El muerto y ser feliz una película tan especial como su interpretación. Mads Mikkelsen consigue sobrevivir a algo tan complicado como La caza, y con nota además. Es fácil ponerse del lado de Daniel Day-Lewis haciendo de Lincoln pero qué coño, es que se transforma en el presidente norteamericano, por mucha rabia que nos dé que lo haga todo tan bien. Y bastante inolvidable el descenso a la locura existencialista de Xabi Tolosa en Cabás.

Pero quizás mi interpretación favorita del año es colectiva: la que nos regalan Emma Watson, Logan Lerman y Ezra Miller en Las ventajas de ser un marginado, desprendiendo un aura de autenticidad y de verdad como pocas veces he visto antes a tres actores adolescentes.

Y la semana que viene hablamos de chorradicas. ¡Hasta entonces!

Y la apuesta estética es otro gran acierto: la película muestra un mundo prehistórico en el que vemos la vida en clanes, la caza de supervivencia, la introducción de las herramientas, el fuego, y todo ello, caricaturizado y simbolizado, dentro de una flora y una fauna maravillosas, que juegan con nuestro concepto de animales extintos y fabulosos para crear ingeniosas mezclas de perros con dinosaurios, pterodáctilos con tortugas, pirañas con loros, ballenas con hipopótamos o plantas carnívoras con babosas… mostrando con la estética el camino que sufren sus protagonistas: la ficción es una herramienta imprescindible en la construcción del futuro.

Todo aquel que ha visto cine iraní se ha preguntado en algún momento si las películas que tanto se celebran en los festivales internacionales son productos culturales de consumo interno o solo funcionan como material exportable. Habrá casos y casos, supongo. En el caso de Irán, no olvidemos, la sensibilidad estética de la mayoría no solo está acotada por criterios de rentabilidad económica, como en todas partes, sino también por una censura estatal que ejerce sus labores sociales con mucho celo: garantizar, perpetuar y reproducir la ignorancia son básicamente la tarea de estos señores. Con la Iglesia hemos topado: Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, dos realizadores del país, fueron condenados hace poco a seis años entre rejas por conspiración y propaganda. Atrás quedan los días dorados de Muhammed Jatami. En los últimos años han llegado a un punto muerto el acercamiento y el entendimiento hacia el séptimo arte promovido por este Obama de Persia desde el Ministerio de Cultura y la Fundación Farabi. Las propuestas de Jatami, igual que las iniciativas reformistas de su homólogo americano, fueron entonces un bluff para los más jóvenes, pero dieron pingües resultados mediáticos. Gracias a la financiación pública se llegó a proyectar en las salas Nobat-e Asheghi (1990), de Mohsen Makhmalbaf, la primera cinta oficialista importante construida sobre una trama amorosa. ¿Los mártires de la Revolución in love? La idea caló hondo. Al carro del intimismo subvencionado muchos se sumaron, incluido Abbas Kiarostami en los 90, hasta que lo personal devino político y las actrices sin velo aparecieron como hongos en pantalla. Las autoridades censuraron Copia certificada (2010), su antepenúltima grabación. Dictaron como castigo dos años sin grabar en Irán. Uno nunca será profeta —está claro— en su propia tierra.

Hay una película, entre las permitidas por el Régimen, que parece muy inofensiva pero en verdad constituye una amenaza mortal larvada; cualquier censurador con cierta sesera la hubiera prohibido de inmediato. Hablamos de Nader y Simin. Una Separación (2011). El título no parece presagiar ningún componente subversivo, cierto. De cajón fue además el modelo de distribución: una vez estrenada en Teherán, comenzó a rular por los festivales, recibiendo los parabienes tanto de los Carlos Losilla (cosa cantada) como de los Carlos Boyero (sorpresa inesperada) de la crítica fílmica. El solapamiento entre los reseñistas de gacetilla y los teóricos de Cahiers no solo supuso la firma de un armisticio entre enemigos mortales de necesidad, muy divididos hasta entonces en sus juicios sobre el cine iraní, sino que además propició que la indudable calidad estética de la película fuera premiada tanto en el Festival de Berlín como en los Globos de Oro. Cierto es que Asghar Farhadi, el realizador de la película, no recibió subvención estatal alguna, tuvo problemas con motivo de unas declaraciones en apoyo de los represaliados y a punto estuvo de no poder rodar nada, pero finalmente la cinta fue distribuida por Filmirán sin problemas. He aquí el error fatal de la censura.

Pero volvamos a Nader y Simin.

Y también contemos, con ánimo de espoilear, el arranque de la historia. Simin quiere emigrar pero Nader tiene que cuidar de su padre vegetal, en estado de alzheimer avanzado, y acuerdan el divorcio. Termeh, la hija de 11 años tiene que tomar la decisión, pospuesta durante toda la película, de conceder su custodia a uno de ambos. Como sabemos más adelante, ora vive con su padre (durante tres cuartos de la cinta) ora se marcha con su madre (momento importante donde marcharse significa respaldar la versión paterna de los hechos) siguiendo siempre el objetivo de no separarlos. Para cubrir las labores del hogar, Nader contrata a Razieh, una casada cuya silueta está siempre oculta tras el chador, la vestimenta tradicional en Irán. La señora tiene que trabajar porque su esposo, Hodjat, está hasta las cejas de deudas y tiene un carácter compulsivo. Por cierto, la forma que tiene Hodjat de golpearse la cabeza ante el infortunio será, junto con las escapaditas del abuelo gagá en plena mañana, uno de los detalles memorables de la película: el punctum de actuaciones impecables en ambos casos.

Hasta aquí una historia familiar convencional. En cualquier producción mainstream, la moderna Simin, con su alocado intento de promoción social, podría haber sido una bruja; sus hiyab de colores habría sido la diana de todas las chadoristas que vieran la cinta con mala cara, mientras se compadecen del mísero destino de Razieh. La justicia divina tiene senderos impenetrables, pero el arte de hacer cine también. En lugar de forzar la antítesis entre la divorciada y la sacrificada por su marido, para más tarde decantar la balanza de las emociones hacia uno de los bandos contendientes, el desarrollo del argumento otorga a cada personaje un espacio moral propio, una legitimidad particular sobre sus actos, por muy errados que sean. Así, Leila Hatami encarna con especial calidez el personaje de Simin, el rival más débil del planteamiento argumental, mientras que la entrega de Razieh hacia su familia no se acentúa sino que queda oculta tras una religiosa y necesitada pobreza. En primer plano quedan los personajes masculinos debatiéndose entre las mentirijillas por una buena causa de Nader y lo impulsivo de Hodjat contra su propio bien. Mientras tanto, Asghar Farhadi realiza una elipsis magistral, eliminando todos los detalles sobre la primera estancia de Simin en el extranjero, recuperando la figura y el origen de toda la trama, la separación de un matrimonio bien avenido, cuando la película ha cambiado de género. Una hora más tarde, el asunto no es la familia moderna, sino un presunto asesinato. Farhadi nos ahorra así unos conflictos de pareja donde ambos tienen mucho que perder ante un público cuya identificación simbólica con todos los personajes, cuya imparcialidad hacia los diversos conflictos suscitados, cuya comprensión de las situaciones complejas resulta crucial para sostener la atención durante 120 minutos sobre seis actores (dos matrimonios y dos hijas) y sobre dos escenarios (la casa y el tribunal).

—¿El tribunal?

En efecto, el tribunal. Y es que el film salta en un momento del dilema privado a la trama policial. Allí donde el espectador pensaba estar asistiendo a unos detalles curiosos de la vida iraní, un retrato de costumbres donde las devotas no pueden trabajar como asistentas de los ancianos seniles porque la religión sanciona la presencia desnuda del hombre y la bajada de pantalones resulta inevitable debido a la incontinencia urinaria de los mayores; allí donde las niñas pequeñas juegan con la bombona de oxígeno de los ancianos y esos mismos ancianos bajan —nadie sabe cómo— a comprar el periódico, a ser atropellados y rescatados; allí mismo, sobre esas mismas escenas apenas recordadas se instala durante la segunda hora de visionado la sospecha, el suspense y el misterio. Que venga Hitchcock y lo vea. No conozco mejor MacGuffin que este. Hacer que el espectador gafapasta se relaje, que piense que está entre los suyos, que los próximos minutos seguirán siendo intrascendentes, que el cámara tirará a la steadycam y a los planos largos, que podremos continuar medio aburridos hasta el final. Y entonces sucede: Nader llega a casa, halla a su padre atado a la cama y medio muerto; Razieh se ha marchado en horario de trabajo y regresa unas horas más tarde; Nader la despide acusándola en falso de haber robado, y ante la negativa de marcharse, la empuja escaleras abajo; Razieh tiene un aborto, estaba preñada de 16 semanas. ¿Infanticidio o nada de eso?

De repente entra en juego el estatus moral del feto, cuestión delicada en los países de herencia católica y no digamos ya en el Golfo. De fondo tenemos, no olviden, el asunto de la autoridad y el respeto que dimanan los mayores. ¿Por qué vincular el destino del matrimonio Simin-Nader con la supervivencia de ese vegetal inerte y mudo que todos llamamos Abuelo? Desde una perspectiva cerebralmente antropocéntrica, solo los seres con conciencia avanzada tienen valor moral, y por tanto, las acusaciones que se lanzan Simin-Nader y Razieh-Hodjat («Casi matas al abuelo» versus «Mataste a mi hijo») carecen de sentido. Dicho crudamente, los fetos de cuatro meses y los abuelos sin memoria, según esta posición, son pura carne para hacer chóped. Algo errado habrá en este punto de vista —digo yo— cuando juzgamos hasta cierto punto válidas las razones de ambos bandos. El dilema está sobre la mesa. Pero está, como todo aquí, hecho papilla por los sucesos. Nos tragamos con cuchara, como si fuera un thriller, una reflexión teórica sobre la justicia y la verdad. Si los agraviados demuestran ante el juez que el empujador (Nader) tenía noticia del estado de la empujada (Razieh) la pena puede oscilar entre los tres años entre rejas o los 40 millones de riales. Hodjat considera el embarazo como una realidad evidente, cuya Verdad se descubre a plena vista, y reclama que Nader jure sobre el Corán su ignorancia. De poco valen estas tretas del Ancien Régime, que apelan a cierto sentido del miedo divino y de la evidencia presencial metafísica, ante una judicatura comprometida con la verosimilitud procedimental. El imputado es inocente hasta que se demuestre lo contrario. Nader, por si fuera poco, no teme mentir con tal de salvar el pellejo. Y vaya si lo hace.

Hay una escena que captura, en una sola imagen, esta oposición entre la inminencia y el procedimiento, contrapunto desarrollado durante toda la parte final, donde las pruebas, los juramentos y las declaraciones van estrechando el cerco sobre Nader; claro que sabía del embarazo, pero nadie se acuerda del todo, y menos aún el espectador. La escena en cuestión se produce mientras Nader y Termeh esperan en el pasillo que antecede a la sala del juicio, un tórrido cuartucho donde los interrogatorios se producen a medio metro de distancia. Típica apariencia de un imputado: Nader tiene esposada su muñeca con la muñeca de un policía/soldado (los policías iraníes, haciendo honor a la verdad, tienen pinta de soldado). Termeh, aunque no secunde con ganas ningún credo, parece apreciar muy mucho el valor de la sinceridad, ese sustituto moderno del honor, y todavía tendremos tiempo de verla llorar cuando la falsedad se imponga, en variadas y repetidas ocasiones, sobre el decir las cosas abiertamente. Total, que la hija reclama la promesa del padre. El padre accede y, en señal de verdad de la buena, levanta la mano derecha, arrastrando la muñeca del _policia/soldado y quedando ambos con las falanges en vertical.

—¿Tú también?— pregunta Nader.

Tu quoque, que dicen en otra lengua, no sé muy bien cual. Magnífico interrogante para subrayar el conflicto entre los dioses del hogar y los de la ciudad. Esta es la crítica invertida potente que avanzaba más arriba. No tienen por qué coincidir, dice Sófocles en iraní, el Alá de estar por casa y la religión oficial de Estado. En el caso de Antígona el problema era el espíritu revanchista de las leyes en relación a los traidores, cuyos cadáveres quedarán sin sepultura en el exterior de la polis, mientras que el caso inverso resulta cierto para Nader y Simin. La imparcialidad del proceso judicial propicia, en una situación nada kafkiana, que la inocencia de quien se sabe culpable pueda continuar hasta mañana. Y de ahí la poderosa crítica contra un sistema político donde el Corán sostiene la Constitución, la Constitución sostiene el Código Civil, el Código Civil permite que los fieles salgan en ocasiones perdiendo.

¿Saben ustedes lo que es un cine de verano? Imagino que sí, porque a todo lo largo de la geografía española he encontrado esas pantallas en muchísimas ciudades y pueblos desde Andalucía hasta Galicia. De hecho se siguen proyectando, aprovechando el verano, en muchos lugares películas al amparo de la noche y de las estrellas –cuando había luna llena aquello era un “sinvivir”, por cierto–. Porque el cine de verano no se ha perdido del todo, aunque, me temo, va camino de desaparecer.

Yo nací en Cádiz y viví mucho tiempo en esa ciudad. Ciudad playera y veraniega con una tasa de calor en verano más que notable. Esa circunstancia, “la caló” extrema, provocaba, y provoca, que la gente saliera de sus casas ya con la tarde trocándose a noche. En los años 60 y 70 no existían tantos medios económicos ni medios de diversión como hay ahora. Evidentemente el paseo, las terrazas de los bares y el cine eran moneda común para todos. Y cuando llegaba mediados de junio los cines de verano abrían sus puertas para los espectadores noctámbulos. Los locales, que permanecían cerrados normalmente todo el invierno, encalaban sus paredes y la pantalla, preparaban las sillas, las barras de bar y empezaban a proyectar películas en dos sesiones a las 10 y a las 12 de la noche. El espectador más noctámbulo salía a las dos de la mañana de la proyección y derechito para la cama con el cuerpo fresquito del relente.

En esos locales se podía fumar, entonces se fumaba, beber e incluso cenar en algunos de ellos, aunque lo habitual era comer pipas cuyas cáscaras se tiraban al suelo directamente. Los asistentes a la segunda función podían encontrarse con verdaderas alfombras de cáscaras que producían un curioso ruidito al ser pisadas, casi de película de terror al uso.

Más adelante los cines de verano empezaron a proyectar películas de temporada que eran mucho más recientes y grandes éxitos de todos los géneros. El público cambió y exigió películas más interesantes. Rafael María siempre cuenta que tuvo la oportunidad de ver La Guerra de las Galaxias en un cine de verano en el que se confundían las estrellas de la pantalla con las del firmamento. Bonito lugar para ver una película de ese tenor.

Se acabaron los cines de verano o casi. Con este ritmo de vida es imposible que se mantuviera. Ya no compensa el acudir a ellos todas las noches si puedes ver cualquier película en tu ordenador con el aire acondicionado puesto.

Son otros tiempos, pero yo los echo mucho de menos.

El cineasta Oshima filmó en 1976 y en coproducción con Francia, para incluir sin censura las escenas de desnudos y de sexo explícito entre Abe Sada y Kichizo Ishida. En la película hay de todo y más, porque Abe y Kichizo estaban enculados el uno con el otro, pero en un revoltijo de lujuria, sadomasoquismo, muchas parafilias y amor, en cierto modo.

Oshima, quien con su trabajo fílmico fue también cronista y un filósofo de la historia contemporánea de Japón, recreó en “El Imperio de los sentidos” una historia real que sucedió 40 años antes de que la realizara.

Los personajes reales, Abe y Kichizo, se liaron en los treinta, cuando ella trabajaba en un hotel de camarera y él, de amo del negocio. Empezaron a follar y Abe se engolosinó del pene de Kichizo, obsesionándose con él. Hasta el grado de quedárselo de recuerdo…

Abe y Kichizo practicaban la asfixiofilia, la forma de excitarse con la asfixia, lo cual es gozosa para algun@s, mientras no maten a alguien en el acto. Después de haber tenido parejas sexuales diversas, de ejercer todas las parafilias conocidas, y de haberse metido alimentos y perecederos por los genitales Abe mata a Kichizo asfixiándole con el obi, que es una especie de cinto de tela con el que se atan los kimonos. Su larga jornada de fornicio concluyó con el asesinato de Kichi.

Como Abe ya había quedado frágil después de uno de los truenes que tuvo con Kichizo, se había hecho de un cuchillo de tamaño importante, con el que amenazaba a su amado con cercenarle el pene. Porque Kichizo era bastante pinga suelta, aunque estuviera en amasiato con Abe y en matrimonio con la cornuda codueña del hotel. Pero no lo castró hasta que fue difunto. Envolvió los genitales de su amante y los llevaba dentro de las mangas de su kimono, en un bolsito. Fue así como la encontraron las autoridades policiacas de Japón: pájaro en mano, nunca mejor dicho. Ella decía que pudo haberse llevado la cabeza o el torso, pero prefirió el pene: era lo que más recuerdos bellos le traía de su Kichizo. Golosa hasta el fin.

Abe Sada fue detenida días después de que encontraron a Kichi muerto y desvirongado, convirtiendo su historia en un pandemónium, porque hubo hasta momentos de pánico en que algunos hombres temían por sus penes. Afortunadamente la encontraron antes de que se comiera el falo y cojones de su amante, que fueron exhibidos hasta después de la segunda guerra mundial, en el departamento de patología de la Universidad de Tokio. En el brazo de la mujer estaban escritos su nombre y el de Kichizo y la leyenda “uno mismo”, lo cual definía muy bien la relación de los amasios quienes no sólo follaban, sino que experimentaban con sus propios límites eróticos, entre ellos, con otras personas, con dolor y perversiones diversas que los controlaban y subyugaban.

Sada purgó cinco de los seis años de su sentencia y fue una celebridad algo tenebrosa, porque en todo momento era recordado el hecho de que le había cortado la ñonga a su amasio y que cargó con ella varios días. Fue un apoyo en la defensa de los derechos de las mujeres en Japón, una mujer temida y respetada, hasta su “desaparición” en 1969.

En 1975 y 1998 se hicieron películas sobre Abe, pero “El imperio de los sentidos” de Oshima, retrata el erotismo de esa relación y sus vorágines, revolucionando con un suceso de la realidad, la historia del cine, de la censura en Japón y hasta del huevo cocido.

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