Es el caso de El Bombero de Lilliputia (Comanegra, 2009), que narra la historia de Henry MacQueen, un niño criado en un entorno burgués en Manhattan de principios del siglo XX, con un padre bombero y una casa con sirvientas. Henry MacQueen era enano, y blanco de las burlas en la calle. Cuando su padre asume la alcaldía de Nueva York, el chico decide abandonar su hogar para no avergonzar más a su familia, y va directo, con su maletita liliputiense, a Coney Island.

Allí, el empresario de espectáculos Samuel W. Gumpertz había construido por esa época la ciudad de Lilliputia, un pequeño paraíso para enanos. Henry se convierte en el fundador del parque de bomberos de Lilliputia, donde cada día realiza simulacros de incendios para los turistas, homenajeando la vida de héroe de su padre. Allí conoce a su futura mujer, una enana que realiza el papel de damisela en apuros en lo alto del edificio en llamas. Pero un día, un gran incendio asola Dreamland, y el único espacio que sobrevive es la pequeña ciudad de Lilliputia, donde sus pequeños bomberos han puesto en práctica todo lo aprendido en años de simulacros. Su padre, orgulloso de la bravura del hijo, decide retomar su historia familiar, fundiéndose en un abrazo ante la prensa.

Hasta aquí, podemos pensar que se trata de una historia de superación, donde todo sale bien. Chico conoce a chica, chico se casa con chica, chico supera sus problemas familiares y se reúne con su padre, convertido en el nuevo héroe nacional.

Lo cierto de todo esto, es que Dreamland, en concreto Lilliputia, fue un gran experimento perpetrado por Gumpertz para atraer a visitantes, y realizar sus tareas de científico loco. Se dice de la ciudad que era un pequeño laboratorio de ingeniería y tecnología para Manhattan. En el pueblo de los midgets se realizaban experimentos arquitectónicos, de suministros energéticos y de gestión, puesto que la escala 50% del pueblo, también reducía los gastos a la mitad. Allí, dicen, se promovían las conductas de promiscuidad, homosexualidad, ninfomanía, y el 80% de los nacimientos eran ilegítimos. Por allí paseaban gigantes del circo varias veces al día, para exagerar la escala arquitectónica. Para subrayar este aparente caos y la falsedad del asunto, los enanos fueron emplazados a vestir como aristócratas y a comportarse como tales, adquiriendo también falsos títulos nobiliarios. Tan falsos como su entorno, por otro lado, ya que Coney Island no tiene ni de verdadero la playa que marca el límite con el mar.

Todo esto, por supuesto, no se explica en El Bombero de Lilliputia, pero la intranquilidad de los dibujos de Roca, lo deja entrever. Todas las páginas de este magnífico libro, están compuestas a modo de retratos, posados totalmente artificiales, planos absolutamente estudiados para la foto, miradas a cámara y perspectivas dramáticas únicamente para los hechos anecdóticos (Henry rompe un jarrón en casa, Henry hace su teatrillo horario en el show turístico…). Incluso retrata a los integrantes de la comunidad de enanos como si fueran muñecos de papel maché. El momento de burla general hacia el niño, se resuelve con una hierática foto en el parque con su familia, donde únicamente una persona desvía la pupila del ojo para mirar al niño de refilón. En definitiva, las ilustraciones a página completa del libro, no son más que el cartón piedra que esconde la verdadera historia de Henry, el pequeño freak bombero.

Otro caso en el que Roca se encarga del mismo asunto, es el libro Veintiún elefantes sobre el puente de Brooklyn (Juventud, 2007) con texto de April Jones Prince. Allí se explica cómo la construcción del puente de Brooklin, recibido a bombo y platillo por el pueblo Estadounidense, desató las inseguridades de la gente ¿será capaz de aguantar en pie este puente tan exagerado? Phineas T. Barnum, director de circo, decide poner fin a las dudas haciendo desfilar a 21 de sus más preciados animales por el puente, para probar su resistencia, y dar seguridad al país. Y lo consigue.

Roca nos presenta a Barnum con sus preciosos claroscuros, en un ambiente tétrico y espeluznante, con secundarios de circo de terror y expresión impávida. El director se pasea en un carruaje con capota y estrellas por Brooklin ante la mirada inocente y contenta de la población, rodeados de banderas estadounidenses, mientras que la grandiosidad del ayuntamiento y del americanismo, se eclipsa por las enormes sombras de los elefantes.

La maestría de Roca al retratar ciudades, grandes obras arquitectónicas y explicar espacios urbanos, se une con su capacidad para plasmar expresiones engañosas en los personajes. Esa sonrisa de allí, es en realidad malévola.

Barnum no fue ningún héroe nacional que puso en peligro a sus animales por el país. Barnum fue, a finales del XIX, uno de los precursores de la publicidad por happening. Todo eso se trataba única y exclusivamente de una artimaña de mercadotecnia para dar a conocer su circo. Barnum no puso en peligro en ningún momento a su preciada flota de elefantes, ya que los elefantes son utilizados para comprobar la estabilidad de grandes superficies. A parte de su peso descomunal, poseen la capacidad de detectar si una superficie es estable o no, gracias a sus patas. No tenía nada que perder. Si el puente no era seguro, los elefantes no cruzarían. Era un win-win.

Esto, de nuevo, tampoco se explica en el texto del álbum, aunque su autora, se encarga de subrayar la verdadera motivación de Barnum en una pequeña nota al lado de las guardas, por si Roca no nos había convencido.

Entre las contradicciones historia/texto/ilustración de Roca, también encontramos Sol Negro (Juventud, 2009), de nuevo junto a Bernard. Es una historia de amor entre un conquistador español, Don Ignacio García Sabato, y una princesa de Quetzalcoatl, que pronto se ve tentada por ir a la caza del oro con su futuro marido.

A pesar de los esfuerzos de Bernard pasando por encima de cómo los españoles rompieron estatuas, prohibieron sus rituales religiosos, cerraron las escuelas, mataron a sus sacerdotes y aniquilaron culturas enteras como si no fuera con él la cosa; Roca nos muestra la grandeza de los sometidos con la belleza de sus vestidos y tierras, y sus rostros de incomprensión ante tal barbarie. Cuerpos muertos en la oscuridad, pero presentes, y la españolización de Siyah Ka ‘k’ mediante sus vestidos y peinado, conforme se va enamorando del oro y de la idea de llevarlo a España.

A pesar de que el Roca en los espacios abiertos (Susanna —Ed. Juventud—, Uma la Pequeña diosa —Ed. Juventud— o El secreto de las nubes —Lumen—), me gusta mucho menos que el Roca urbanita, (Jesús Betz —Fondo de Cultura Económica— y los mencionados), creo que no hay ningún libro del francés que decepcione. Y como dice un amigo mío: “a veces hay que exigir al lector que trabaje un poco” y yo añado “si quiere”.

Hace poco hablábamos del libro Tengo Miedo de Pere Vilà y Sergio Mora, y yo solté la frase “el formato es perfecto para estar en la cama”, y lo decía por su formato vertical y la disposición del texto y las imágenes. No considero que el diseño habitual sea un problema, pero este, para su propósito, tiene un plus.
Lo mismo sucede en los libros para ser leídos de forma autónoma por los más pequeños: donde el fino papel se sustituye por cartón, porque pasar páginas finas es un ejercicio demasiado complejo en determinadas edades (incluso a veces para nosotros).

Existen libros de plástico para meter en la ducha, libros de tela para sentarnos en ellos y meter en la lavadora, y libros con tiradores de plástico para tirar de ellos y morder con pocos meses de vida. Todos ellos son formatos diseñados para que su usuario final, pueda disfrutarlos sin mayores conflictos evitando los obstáculos: roturas, dificultades, frustración…

Pero todo parece desvanecerse con la llegada de nuevos dispositivos en los que volcar libros ilustrados y contenidos educativos y lúdicos. Sí, señoras si, hablo del iPad. No voy a extenderme en el dispositivo en sí, ni en su precio, que ya lo convierte automáticamente en un Gadget para ser utilizado en compañía del propietario, y presumo que hace totalmente inviable que un niño muy pequeño pueda utilizarlo con total autonomía. Una pantalla que al menor impacto se trizaría, que con un vaso de agua se cortocircuitaría, y un sinfín de desgracias más por el módico precio de demasiados euros.

Dejando de lado su problema de soporte y tratando de minimizarlo, posee unas propiedades a nivel interactivas que son maravillosas: cualquier persona tarda menos de 10 minutos en aprender las interacciones básicas y la integración de movimiento y audio on demand son fabulosas.

Pero ¿están preparados los BookApp para ser leídos por niños de todas las edades? La respuesta es: no. Encontramos demasiadas aplicaciones para iPad que se limitan a aprovechar todas las bondades de la plataforma, ignorando totalmente a su lector. Tienen interacciones complicadísimas que solo un niño más mayor sería capaz de encontrar, mientras que la parte lúdica que se propone, sí es para niños muy pequeños (pintar con el dedo, tocar un tambor…) ¿A quién nos dirigimos entonces? ¿Tiene sentido un libro del Barco de Vapor con paginas de plástico? ¿Y un libro de 1500 páginas con letra ligada?

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“Los pequeños de entre 2 y 3 años difícilmente pueden seguir un juego, esperan que pase algo, pero no hay estimulación. Entre 4 y 5 años les gusta el reto, son dedicados y tienen mucha paciencia si el estímulo es alto, mientras que a partir de los 6 años buscan el perfeccionismo”

También me cuenta que la mayoría de niños apoyan sus manos sobre el iPad, ocupando así parte de la pantalla, siendo esta su forma natural de usar el objeto; de este modo, jamás deberíamos situar en ese lado de la pantalla ningún elemento principal para entender la historia.

¿Podemos diseñar entonces un libro ilustrado del mismo modo que lo haríamos en papel? ¿Es lo mismo pero añadiendo toda la interacción que nos permita el dispositivo? Y lo más importante: ¿Es este tipo de soporte el futuro del álbum?

Afortunadamente hay algunas personas que empiezan a dar con la clave del futuro de los libros ilustrados digitales, como la gente de Moonbot Studios con su Mr. Morris Lessmore. Esta es una historia acerca de la gente que dedica su vida a los libros y estos, un día, les devuelven en favor.
Mr. Morris Lessmore fue originalmente un laureado corto, ilustrado y escrito por William Joyce y Brandon Oldenburg, que desde su origen, estaba pensado para convertirse en libro.

Trish Farnsworth-Smith productora de la obra, me cuenta que ellos crearon la App a partir del corto, pero tienen clarísimo que el iPad nunca será el reemplazo del libro: “de hecho, en Moonbot, todo lo que hacemos tiene que convertirse en un libro real. El libro es el destino más preciado de nuestras historias. Pensamos que el formato libro es un diseño perfecto, puede caer y nunca se romperá, y además ¡nunca te deja sin batería!” Entonces, ¿qué tienen de positivo las BookApp? “Por ejemplo, nosotros hemos aprendido mucho sobre lo que no tenemos que hacer el futuro ahora que hemos lanzado a Morris en el mundo. ¿Cuántos autores tienen la oportunidad de modificar sus libros una vez llegan a la estantería? Es genial pensar en una historia que puede ser actualizada y mejorada simplemente pulsando un botón, esto le da vida a la estantería. Nuestra App, está literalmente viva, ¡como los libros que aparecen en nuestra historia!”

El caso de Mr. Morris, es un caso excepcional, y a pesar de que respeta la mayoría de las conclusiones a las que llegó Karina, sus objetivos eran muy diferentes a los educativos. Trish me explica que sus decisiones fueron tomadas a partir de las experiencias de niños de todas las edades: “El tiempo que invertimos en ver a otros jugar con nuestro libro fue crítico. La gran lección que aprendimos fue que no tenemos que sobreexplicar las cosas. La exploración y el descubrimiento producen una mayor adicción a la historia, y eso es precisamente lo que queríamos, queríamos que se perdieran en la historia, un poco como hace Morris…”

El hecho de que uno de los pocos libros de calidad que haya en el mercado sea tan próximo al audiovisual da que pensar acerca de la validez, o no, de las adaptaciones literales de algunos álbumes y acerca de la viabilidad de un proyecto así, pensado únicamente como libro digital. ¿Es más sencillo hacerlo desde el audiovisual? “Para nosotros, usar elementos del corto para el libro fue una gran forma de economizar la producción, pero no es el mejor modo de componer una página. Muchas veces tuvimos que regrabar escenas y recomponer planos. Es fácil sacar un fotograma congelado del corto y añadirle texto, pero es mucho más efectivo y apropiado componer inicialmente la imagen del modo que mejor funcione para el medio.”

¿Cómo se adapta un escritor o un ilustrador a todo esto? “El proceso de trasladar el corto a un libro interactivo era totalmente nuevo para nosotros, nunca habíamos diseñado una App a pesar de ser usuarios de iPad. Pero siendo ilustradores, directores de cine y escritores, nos hizo sentir como en casa, y fue muy intuitivo (…) el hecho de saber que teníamos delante un dispositivo tan efectivo e inmersivo y que la audiencia podía ser masiva, fue muy motivador.” ¿Entonces fue sencillo trasladar vuestros compromisos al dispositivo? “A pesar de que programar para iPad es robusto e innovador, aún está en un estado muy prematuro… hay que pensar que todo esto tiene poco más de un año. Nosotros habíamos adquirido ciertos compromisos a nivel creativo, acerca de si en cada momento específico queríamos que el lector estuviera conectado, fuera parte, o estuviera inmerso en la historia, y tuvimos que buscar formas alternativas de lograr estos enganches porque técnicamente había limitaciones”

Con todo esto, veo que los primeros pasos están hechos, las posibilidades están ahí, y que no debemos dejar de pensar que saldrán buenísimas creaciones digitales solo por las malas adaptaciones y diseños que hay actualmente en el mercado. Que cuando hablamos de álbum ilustrado, todavía no hablamos de BookApp: hablamos de audiovisual, juego, libro de texto, material educativo, aprendizaje… y que cuando hablamos de una BookApp para niños, todavía no usamos la palabra leer, sino jugar, y experimentar…

Las 3 aplicaciones favoritas de Karina Ibarra (Arquinauta)

1. Alpha Writer, para aprender a escribir palabras con el sistema Montessori
2. C is for Cow , con preciosas ilustraciones
3. Old Mac, la estrella en su casa

Las 3 aplicaciones favoritas de Trish Farnsworth-Smith (Moonbot Studios)

1. Heart and Bottle
2. Sword & Sworcery
3. Star Walk

_{* El título de esta entrada hace referencia a un fragmento de la película El Hombre de al lado de Mariano Cohn y Gastón Duprat}

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Xan López, fue uno de los fundadores del fanzine gallego Xofre, a finales de los 70, junto a Fran Jaraba y Miguelanxo Prado. Empezó editando sus propios tebeos, y terminó ilustrando alrededor de unos 300 libros. Xan ha sido galardonado con premios como la Placa de la Bienal de Bratislava, en 1991 y el premio al ilustrador del año en la Feria de Bologna del 93, donde ha sido seleccionado del 90 al 94 en la sección oficial. Fue candidato al Astrid Lindgren y al Premio Hans Christian Andersen en 2010.

La editorial Edelvives, acaba de publicar su último libro La noche del Marramiáu. Es la historia del gato Mixi, que, algo despistado llega a una ciudad del todo surealista, siniestra y oscura, que le va como anillo al dedo a la gama de colores del gallego. Allí tienen sus propias festividades, como le corresponde a cualquier ciudad, y una de ellas es La noche del marramiau : en la que gatos de toda índole (incluso imitadores) se calzan unas latas de conserva y se dedican a gastar la paciencia del prójimo. Eso sí, respetando la costumbre gatuna de rimarlo todo. Una serie de desgraciados sucesos hacen que el gato Mixi las pase bien magras hasta solucionar su vida donde todos nosotros lo haremos.

Mis historias perdidas

La Noche del Marramiau y Mis historias perdidas (El Zorro Rojo, 2009) son sin duda dos álbumes para pasar horas observando las tramas de su plumilla enfurecida y rápida y gozar como un enano con las aventuras que en ellos se relatan, y memorar, por qué no, recuerdos que no son nuestros.

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Quién tiene miedo es el último premio Hospital Sant Joan de Déu en su edición del 2010. Es la historia de Pablo, un niño que está enfermo y debe pasar un tiempo en cama. Como todos los niños —y adultos—, escucha ruidos en las paredes, ve sombras en la habitación, y tiene sensaciones extrañas al apagar la luz. Quién tiene miedo es una historia sensacional sobre cómo afrontar los miedos que nos invaden cuando estamos solos, y aparentemente indefensos. Y eso que en realidad no lo estamos. Todos esos ruiditos y crujidos, tienen una explicación muy sencilla y tranquilizadora, ¡no nos los imaginamos! Son, en realidad, seres, monstruos, duendes y gigantes que solo tratan de cuidarnos de forma muy poco discreta.

… y a los que no se creen nada: al menos tendréis una explicación fiable del por qué de los calcetines desparejados.

Las ilustraciones de Sergio Mora, a pesar de seguir siendo claramente Sergio Mora, son un tanto diferentes a lo que estamos acostumbrados, y el formato del libro, es perfecto para ir/estar en la cama… ya veréis por qué. La edición de La Galera, además, es excelente: no dudéis en acariciar las guardas del libro y fiaros de lo que notáis.

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¡Ya está aquí! Al fin se ha editado en España la Alicia de Rébecca Dautremer de la que hablábamos hace unos meses… Por lo que he podido ver, Edelvives ha respetado perfectamente el formato original del libro de la francesa, incluso pequeños detalles que suman, como el lomo exterior coloreado.

Como os podéis imaginar por el número de páginas, el texto de Carroll se mantiene prácticamente íntegro, con una adaptación de la que aún no he podido disfrutar, ya que tengo en mis manos la edición francesa de Gautier Languereau. Se trata de un libro para lectores y no tanto para pequeños, que como siempre, si que pueden disfrutar de las ilustraciones de Rébecca con algo de ayudita.

Esta es una Alicia que nada tiene que ver ni con las ilustraciones originales de Sir John Tenniel, ni con la versión edulcorada de Disney y derivados de esta, a los que ya estamos muy acostumbrados (y de los que ya estamos algo aburridos). Esta versión se acerca más a Chihiro de Hayao Miyazaki, y obviamente, a la crudeza y locura del texto original.

Dautremer recorre las escenas que tanta gente ha interpretado antes, y que tantas veces hemos imaginado y visto, consiguiendo sorprendernos, y eso es buenísimo. Conservando los elementos clave, pero sin caer en un solo cliché del universo existente, combina ilustraciones a Gouasch (sí, alucinante pero cierto), con ilustraciones abocetadas a lápiz, apuntes sobre el movimiento de algunos personajes y secuencias numeradas de acciones que acompañan las paginas que contienen las densas cajas el texto.

Aquí os dejo un breve repaso por sus paginas.

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En Edelvives se refieren a los cuentos ilustrados por Lacombe como cuentos silenciosos aunque en un principio no lo son. Son cuentos sin letra, eso sí. Cuentos popup que crecen y crecen cada vez que pasamos la página, con cientos de detalles que despiertan y aparecen y podemos mirar a través de ellos. No son silenciosos porque la voz en off debe existir, debemos poner nosotros la narración, y cada cuento, que ocupa en realidad una sola página, debe crecer y amplificarse a través del lector. Son cuentos clásicos: Alicia en el País de las Maravillas, Pinocho, Peter Pan, Barbazul, La Bella Durmiente del Bosque, Caperucita Roja y Pulgarcita, por lo que no nos costará demasiado la reconstrucción.

Cuentos Silenciosos, es tanto un libro para admirar su orfebrería y pasar página sin caer en la cuenta de lo que nos están diciendo, como un libro para los más pequeños, en el que nos podemos —y se pueden— detener un día entero explicando la historia y buscando los elementos claves de la narración entre los relieves de las ilustraciones.
Lacombe nos muestra el clímax de los clásicos en tres dimensiones, y nosotros lo ampliamos por delante y por detrás. La gracia está, en que podemos tergiversar la historia y reinventar el clásico, haciendo una lectura diferente en cada ocasión.
A pesar de la estupenda edición de la editorial española, yo me quedo con su título original: Il était une fois… (Érase una vez), que es, en realidad, de lo que va.

Aquí os dejo el videotráiler para alucinar un poco:

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Decía Italo Calvino en su texto “Por qué leer a los clásicos”, que podemos definir a los clásicos como libros que ejercen una influencia particular ya sea cuando se imponen por inolvidables, o ya sea cuando se esconden en los pliegues de la memoria mimetizándose con el inconsciente colectivo o individual. Que de niños existe un tiempo para leer a los clásicos, y que en la vida adulta tendría que existir un tiempo dedicado a releerlos.

Pero parte de la gracia de los clásicos está en que si no los leímos en su día, tampoco pasa nada, porque toda relectura de un clásico es una lectura de descubrimiento como la primera.

Está claro que un clásico siendo niño tiene unos valores que en edad madura no tendrá: ni mejores, ni peores. Que proporciona unas claves que recordaremos y a las que es posible que acudamos en nuestra madurez. Tal vez la inexperiencia impida que entendamos por completo el texto (a pesar de que nunca terminaremos de hacerlo del todo), pero nos proporcionaran modelos, contenidos, escalas de valores y paradigmas de belleza que aunque más adelante no recordemos como de nuestra familia, seguro que habrán dejado simiente.

Por esto mismo, agradezco a Nórdica, y a Elena, por acercar clásicos tan valiosos como este a los chavales —y a mi—, porque es necesario, como decíamos, husmear en los clásicos sin importar la edad que tengamos, y porque la historia de ¿Cuánta tierra necesita un hombre? es el pan de cada día…

La avaricia rompe el saco, quien mucho abarca poco aprieta, más vale pájaro en mano que ciento volando, son imágenes que están cada día en la escuela, en la calle, en la tele, en el trabajo… Y esto es lo que nos cuenta Tolstói. Una historia atemporal que actualmente aparece en los noticiarios a diario.

Pajom es un campesino insatisfecho, que siempre quiere más y más. Que nunca está contento con sus tierras, y abusa del desconocimiento y del bajo nivel de vida de los poblados cercanos para su beneficio propio. Compra tierras baratas en sitios no explotados, para sacar provecho, para ser más rico y así poder comprar más tierras. Pajom se topa con los bashkirios, que no entienden de dinero, ni siquiera usan. Los bashkirios le ofrecen tanta tierra como sea capaz de recorrer en un día entero, hasta que se ponga el sol. Pajom, como buen terrateniente, es derrotado por su avaricia cayendo muerto en la puesta de sol. ¿Qué cuanta tierra necesita un hombre? Tres arshines de la cabeza a los pies le bastaron para enterrar su cuerpo.

Las precisas ilustraciones de Elena Odriozola, trabajan sobre el personaje principal, sobre el ego, porque al final va de eso. No aparecen bashkirios, ni mujiks, ni mujeres, ni propietarios, ni haciendas. Solo aparece Pajom que gira sobre si mismo: le vemos crecer —y crecerse— y luego viene su decadencia. En este viaje Pajom estará solo, únicamente le acompañarán las vacas y —espero— que unas cuantas miradas atentas de adolescentes, en las que dejar una simiente aunque sea pequeñita.

Ya habrá tiempo para releer.

Se presentaron las primeras imagenes de la Alicia en el País de las Maravillas de Rebecca Dautremer, que saldrá a la venta el 10 de enero editado por Gautier-Languereau.

Es con ella con quien iniciamos un camino hacia la comprensión de la vida de palacio en la exposición La Vie De Château, con originales de Éric Battut, Nicole Claveloux, Tom Schamp, Nikolaus Heidelbach, Maurizio Quarello, y muchos más… Un recorrido por conocidos cuentos populares que suceden entre las paredes de lujosos castillos, con princesas, príncipes, bestias y barba azules.

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Los habitantes del Reino de la Moda viven aterrorizados por un monstruo horrible: el Ridículo. Las modas se suceden, cada vez más rápido y todos deben someterse so pena de ser secuestrados por el monstruo y llevados más allá de las montañas. Pero un día surge un caballero misterioso. Es más hype, más tendencia que la propia reina… El caballero entregará genorasamente su secreo a los habitantes del Reino: el Ridículo no mata y… tampoco existe.

El premio À l’abord’art 2011 al mejor libro de divulgación de arte para niños, fue para Andy Warhol, de la editorial Palette , y editado en españa por Combel. No me parece casual que montones de niños abrieran y cerraran las ventanas y puertas de esta maravilla de popup.

Entre los libros que llamaron la atención, está el título La Petit Cha—PUB—ron rouge (Ed.Rue du monde, 2010) ¿Por qué en todos los medios nos avasallan a publicidad, excepto en los libros? ¿Cuánto dinero ahorraria una editorial si permitiera que los anuncios entraran en el mundo del papel? Este álbum con texto adaptado por Alain Serres y ilustrado por Clotilde Perrin, con la participación de Zaü, Pef, Martin Jarrie, Laurent Corvaisier, etc. nos propone la lectura de la cláscia Caperucita Roja de Perrault interrumpida por anuncios de publicidad falsa… Lo que no sabemos, es si esto es una advertencia de lo que vendrá ¿No?

Como visitante/turista del salón, puedo decir que Aurelia Grandin y Kitty Crowther, fueron las protagonistas absolutas del salón, copando todos los stands, flyers, posters y con una cantidad brutal de obra publicada en cualquier mesa que miraras. Por mi parte, pude agenciarme lo último de Kitty Crowther, Le Petit Homme et Dieu (Ed. Pastel, 2010) y alguno más que me faltaba, así como Les Monstres Malades de Emmanuelle Houdart (premio 2005 del salón del libro de Bologna), que aunque no sea novedad, le tenía muchas ganas desde hacía tiempo. Juliete Binet también terminó en mi bolso, con dedicatoria incluida en L’Ombre d’Igor . También secuestré —recien salido de imprenta— Les Chansons de Lalie Frisson de Claire de Gastold y Anne Lemonnier (Ed. Atelier du poisson soluble). Creo que, a parte del de Autrement, el de Atelier du poisson soluble fue el stand donde pasé más rato de todos y al que volví y volví, a revolver entre sus libros, y al que me gustaría dedicar un post entero.

No puedo terminar esta crónica sin destacar la presencia de pequeñas editoriales españolas como Mamut Comics (Bang ediciones), Milimbo u OQO , abriendose paso en territorio francés con maravillosas propuestas editoriales.

En fin, para mi ha sido una experiencia maravillosa, pero no sé si tiene que ver con que ese fin de semana nevó muchísimo y la ciudad quedó completamente blanca, y que coincidí con la exposición de Moebius en la Fundación Cartier, y la de Basquiat en el Museo de Arte Moderno de París (dos visitas obligatorias si alguno se desplaza hacia allí en fechas navideñas). Pero está claro que el año que viene, nos vemos ahí.

¡Feliz Navidad! Y a regalar muchos álbumes a todo el mundo.

A los pocos minutos, entra una madre que acaba de dar de alta a su hija en la biblioteca, y consulta con el otro bibliotecario qué clase de control ejercen sobre los niños para comprobar que no se llevan a casa ningún libro que no les corresponda. Por ejemplo, yo no quiero que mi hija pueda alquilar el Mein Kampf, le dice. El señor le explica que en las bibliotecas municipales no hay libros sobre apologías, pero que si su hija necesita algún libro considerado adulto para hacer un trabajo del colegio, tendrá que pedir permiso en la sala Chilias.

Es todo muy raro. Parece que está claro que la primera planta no me pertenece por rango de edad, porque alguien lo ha decidido así, y que la niña (que por cierto, lleva una mochila de la súper desarrollada Hannah Montana) no tiene derecho a acceder a los libros que superen el primer piso. Las dos tenemos que recibir el beneplácito de los guardianes de los cuentos populares y las poesías ilustradas.

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A pesar de la brillantez con la que sucede la historia, y la elegancia con la que habla de la muerte de la propia protagonista, pasaron casi diez años hasta que alguien se atrevió a publicar este libro. Fue Étienne Delessert y dicho en palabras de Innocenti, no fue con ningún afán pedagógico o educacional, sino para dar respuestas.

“Rosa Blanca dejó caer el bolso con la comida. Se quedó quieta, en silencio. Se movieron sombras entre los árboles. Eran soldados. Apenas se los distinguía. Para ellos, el enemigo estaba en todas partes. De pronto, sonó un disparo”.

Los colores tenues de todo el libro se ven contrastados por las banderas nazis y el lazo rojo que lleva en la cabeza Rosa Blanca, la niña, recurso que usaría —diez años más tarde— Steven Spielberg en La lista de Schindler. La cámara, el punto de vista, sube y baja generando empatías con el pequeño lector, e inquietudes en el más mayor.

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“Los adultos, padres, maestros, los protectores de los niños quieren para éstos las cosas que no hacen daño. Piensan que es mejor que el niño viva en un mundo dulce, mórbido, etéreo, infantilizado, reducido y protegido […] Este modo de educar es artificial y al creador le exige poco. Creo que los niños son más inteligentes y valientes. De todas maneras, es difícil decir quién se equivoca y quién tiene razón”.
Roberto Innocenti, Revista CLIJ, Año 9, Nº 87

Así que yo, no puedo evitar esbozar una gran sonrisa al imaginar la cara de esa madre preocupada por las inquietudes lectoras de su hija, al ver a la niña con alguna de estas bellezas de libros en sus manos y diciéndole: Mamá, estaban en la estantería I**(32)INO de Innocenti.

_{El título de esta entrada está extraído del prólogo de Rubén Lardín para El Día del Niño (Valdemar, 2003)}

Pero la Jing Wei que nos ocupa, no es la hija el emperador aunque tiene muchos puntos en común con ella. Nuestra Jing Wei, es una ilustradora china, criada en un suburbio de Carolina del Norte, y que actualmente reside en Brooklyn.

Jing Wei utiliza la xilografía como forma de expresión. Es la técnica más antigua del mundo (Siglo V D.C), es originaria también de China, y requiere de una paciencia y perseverancia sin precedentes. Sobretodo si tenemos en cuenta la cantidad de sistemas de impresión de los que disponemos actualmente (por no hablar de los avances informáticos para dar todo tipo de aspectos deseados en dos minutos). Por este motivo decía yo, nuestra Jing Wei algo tiene que ver con aquella a la que no le importaba dedicar toda su vida a conseguir su meta.

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En el trabajo de Jing Wei la técnica no es lo único relevante: uno se enamora de sus personajes, las familias foca, los búfalos y todo su universo personal con solo mirarlo. Más tarde, descubrimos que no son simples ilustraciones sino verdaderas obras de artesanía donde el original no está en lo que observamos, no está dentro de un marco ni sobre un papel. El original no existe, y está descuartizado y seccionado por capas en gruesos trozos de madera.

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La verdad es que da que pensar cuando vemos las ilustraciones que copan las páginas de los diarios y revistas a día de hoy. La mayoría de ellas son fotocopias de sí mismas, pinceles de photoshop, un trazo muy concreto que se comparte de un ilustrador a otro. Sí, lo sé, poco tiempo y poco dinero, pero seguramente por eso hace tanta ilusión ver que hay gente que puede permitirse el lujo y que tiene el talento para crear estas piezas para ilustrar un simple articulo de cocina en una revista.

Histoire Sans Paroles, es una colección de historias mudas impecable para los más pequeños, que utiliza la secuenciación de imágenes de tal forma que nos pueden contar conceptos tan complicados como la amistad, la incomprensión o el conflicto, con unas pocas imágenes muy bien elegidas y cuidadas. Estamos acostumbrados a historias mudas anecdóticas, situaciones costumbristas en las que no son necesarias las sobreexplicaciones, pero Autrement consigue que todo esto quede atrás, y podamos hablar de cosas más complejas sin necesidad de saber leer. Las ilustraciones de Historie Sans Parole hablan por si solas con una potencia que rompe las palabras y las deja inservibles.

Además, podemos decir que no cojea ni un solo ilustrador de los elegidos para el proyecto. Así que no me queda otra que recomendaros la caza y captura de alguno de los títulos de la colección que, como podéis imaginar, no importa que sean ediciones francesas, cuando de lo que se trata es de romper las barreras del lenguaje.

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No está de más recordar que en España también existe la colección Mamut+3, que aunque utilice el lenguaje del cómic para explicar historias, es tan muda o más ¡que el animal que da nombre a la coleccion!

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Artur Heras (1945) es un pintor, escultor, diseñador gráfico e ilustrador nacido en Xàtiva, Valencia, y aunque siempre me ha hecho mucha rabia el adjetivo artista multidisciplinar éste realmente lo es. Fue en Xátiva donde inició su particular estilo bebiendo del constructivismo, el expresionismo abstracto y todo tipo de experimentación con el formato y la forma. Muy crítico e irónico con respecto al propio arte, comenzó a exponer y publicar bajo el seudónimo Quiles. Tal vez, comenta, era un modo de presentarse y ocultarse a la vez. Pero no fue ésta la última ocasión en que ocultó su verdadera identidad. Más adelante adoptó el nombre Arthur Kemdeffer que se convirtió en su alter ego perfecto.

Su primer libro, publicado en 1966 y firmado como Quiles, fue expuesto en la Feria de Frankfurt donde los editores de Insel Verlag, una de las editoriales más importantes del momento, se interesaron por él. Avergonzados por el contenido de los textos al verlos traducidos al Alemán, decidieron no hacerse eco de la obra, pero si aceptaron que Heras trabajara para ellos, ilustrando libros de Dusan Radovic, Hans Erich Nossack y Anna Mª Matute. Fue en el 74, cuando la gente de Insel Verlag, le ofrecieron realizar un cartoon hecho por él mismo, y fue entonces, casi sin saber lo que era eso, cuando nació Madame Leonarda.

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No es hasta hace unos meses que Am Anfang War Das Huhn aparece en España de la mano de la Editorial Media Vaca, bajo el nombre Madame Leonarda, editado respetando los formatos originales con una edición cuidadísima e incluyendo una autoentrevista realizada de Kemdeffer a Heras, y que se ve interrumpida por la propia Leonarda.

Los dibujos de Artur son brillantes en cuanto a técnica y forma. Combinando con un perfecto equilibrio la línea, la mancha y una cantidad ingente de puntitos y tramas minúsculas acumuladas en los relieves, nos explica, casi como una película de cine mudo, las peripecias de Leonarda. Porque así es su forma de narrar, son casi fotogramas de animación tradicional donde la viñeta es una cámara fija, y sus personajes y acciones se pasean delante de ella. Incluso, si tomamos el libro por su anverso y pasamos las paginas deprisa como un flipbook, podemos ver una animación de su protagonista.

Madame Leonarda nace en la primera página del libro, junto a varios hermanos más. ¡Alehop! Y sale de su huevo. Leonarda es una gallina, pero no es una gallina convencional: es una gallina—monja. Con su cofia y sus perfectos zapatos a cordones que no asoman ni una pluma, Leonarda descubre el mundo junto al lector. Sus primeras tentaciones, el primer desfile aeronáutico con sus diseños, su primera meditación filosófica e incluso su primer vuelo acrobático con caída libre. Vamos, lo normal.

El libro, a pesar de tener una carga crítica bastante elevada, y referencias artísticas por todos lados, tiene dos vías de lectura claras, y en una de ellas, tienen cabida los niños, por este motivo, ha sido publicado en la colección Grandes y Pequeños de Media Vaca.

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En la creación de un programa llamado Educar en Igualdad los únicos problemas que le veo son el nombre elegido, el real decreto y que surja con el apoyo de un Ministerio de dudosa utilidad. Si descargamos las actividades que se proponen en dicho programa, veremos que no son nada más y nada menos que los mismos progresismos de toda la vida, pero avalados por la ministra, lo que, de cara a la galería, solo puede ser negativo por la politización a la que se puede someter. Me explico: mis libros de texto en el colegio están a años luz de los que tuvieron mis padres, en los que podemos leer frases como: cuando tu marido llegue a casa, debes asegurarte de tener la cena hecha, mientras que en mi primer libro de texto, una niña rebelde llamada Bruna se cortaba el pelo con unas tijeras del costurero de su madre.

Del mismo modo, muchos cuentos clásicos que provienen de la transmisión oral, han ido mutando y adaptándose al momento en el que se han contado. Sin ir más lejos, en una de las primeras versiones por escrito de la adorable Caperucita Roja, la de Perrault en 1697, se narraba cómo el lobo le hacía comer las tripas y la sangre de la abuelita a la niña, y después, ni corto ni perezoso, le obligaba a quemar sus ropas quedando desnuda. Minutos despues de pasar por el catre del lobito, Caperucita era devorada. Este cuento, que en su momento servía de moraleja para que las niñas confiadas no se fueran con desconocidos, ha sufrido miles y miles de reescrituras, hasta algunas en las que el lobo se hace amigo de Caperucita, no se comen a la abuela, y todo se convierte en un sinsentido respecto al original. Nadie se ha quejado. ¿La clave? Por un lado, el tema suprimido es la violencia, un valor que la sociedad rechaza frontalmente y que nadie sería capaz de defender. Por otro lado, esto ha sucedido de forma natural, sin una etiqueta colgando del lomo, sin una ministra, y sin un ministerio.

Es cierto que en los programas propuestos por la FETE-UGT, entre actividades sobre higiene personal, relaciones parentales y el respeto a los mayores, hay alguna actividad en la que se trata el género. Hay alguna actividad en la que se insta a los profesores a proponer a los alumnos que piensen en el papel del príncipe y el de la princesa en los cuentos. Proponen plantearse qué pasaría si la disposición de géneros fuera la contraria… algo muy diferente a la prohibición o al borrado. Tachar de dictatorial o fascista el hecho de hacer que los niños piensen en algo que se da por sentado (la princesa necesita ser salvada, y el príncipe es su solución) no deja de ser una manipulación y un absurdo.

Los cuentos infantiles están llenos de estereotipos sobre las mujeres y los hombres. Casi todas las historias colocan a las mujeres y a las niñas en una situación pasiva, en la que el protagonista, generalmente masculino, tiene que realizar diversas actividades para salvarla. Es el caso de la Bella Durmiente, la Cenicienta, Blancanieves… Con esta actividad, el cuento se transforma explicando que la igualdad es divertida y emocionante tanto para las niñas como para los niños. (extracto del enunciado de la actividad 5)

¿Alguien ve algo que no sea cierto ahí? ¿Alguna imposición? ¿Veto? Es obvio que es necesario hacer plantearse a los niños las cosas desde diferentes prismas, y no tiene sentido etiquetar de feminismo extremo el hecho de que en el otro lado del prisma esté el género… Igual que debería ponerse en el punto de mira la monarquía, la diferencia de clases, las religiones y el sexo. Ahora bien, parece que sorprende que exista una Actividad basada en un pequeño cuento llamado Una princesa diferente, en la que ni el propio príncipe sabe de qué hay que salvar a la princesa (o así lo hicieron saber en todos los noticiarios). Lamentablemente, creo que sorprende por el motivo equivocado… no deberíamos tomarnos esto como una sustitución de los cuentos tradicionales, sino como un añadido, o un espacio para la reflexión. Lo que, eso sí, debería chirriarnos, es que se sigan utilizando los principados para generar estos espacios. Pero en fin, ahí ya no se mete nadie.

Para nada sucias – Ampliar

Después de esto, no me queda otra que, ante este día del libro, creer en la convivencia de los títulos de Takatuka, y este tipo de editoriales que considero que son necesarias, y, como no, los clásicos de toda la vida que podemos leer y disfrutar tanto en una lectura convencional, como herramienta para la reflexión.

… Y ahi van tres princesas:

Blancanieves – Ampliar

Cenicienta – Ampliar

Bella Durmiente – Ampliar

Miguel Tanco – Ampliar

Mónica Calvo – Ampliar

Patricia Metola – Ampliar

Elena Odriozola – Ampliar

David Pintor – Ampliar

Juancris Vera – Ampliar

Violeta Lópiz – Ampliar

Violeta Lópiz, es sin duda la materialización del dicho quién la sigue la consigue. La ibizenca cuenta en su blog, cómo las ilustraciones que han sido seleccionadas para la muestra de este año, habían sido anteriormente tiradas por suelo. Se trata de cinco ilustraciones que nunca fueron publicadas, e intentan explicar a los niños, con gran acierto, qué es, y cómo usar el fondo en una ilustración. Violeta reside actualmente en Berlín, y forma parte junto a Tanco y Odriozola de la agencia de ilustradores Pencil.

¡Enhorabuena a todos! Y aunque no podamos verlo en directo, estaremos atentos a todos.

¿Qué es un niño? – Ampliar

Su obra destaca, estéticamente, por su particular creación de personajes y la técnica que utiliza (collage, pintura, foto montaje, tinta, y en el último par de años incluso costura, fieltros y botones…) y narrativamente, destaca por la inquietud de sus historias. Los libros de Beatrice, son aparentemente infantiles, pero las historias de las que nos habla no lo son para nada. Nos habla de sensaciones incómodas, de la razón de ser y de la condición humana, y lo hace utilizando niños, animales, monstruos, y un lenguaje de lo más sencillo. Beatrice asegura no haber abandonado nunca la visión infantil de las cosas, y desde bien pequeña supo que quería dibujar y contar historias, como las de Gianni Rodari, Bruno Munari y Emanuele Luzzati.

El paseo de un distraido – Ampliar

Beatrice, los personajes que dibujas están en el equilibrio perfecto entre el feísmo y los seres más adorables de la creación, ¿tienes feedback de cómo encaja este tipo de personajes un niño?

B.A.> No creo que la fealdad y la belleza sean valores objetivos. Yo busco incesantemente la belleza en lo feo y la fealdad en lo bello ¡para mi es un gran cumplido que me digas que mis personajes están en perfecto equilibrio entre los dos! Por la parte que me toca, mis personajes nunca han sido considerados desde un punto de vista puramente estético, por suerte, y esto permite que tengan capacidad para llegar e interrogar al lector. Los niños llegan a los dibujos sin ninguna idea apriori del argumento. Se ponen ante los dibujos con ganas de aprender, de entender, de analizar… Muy a menudo se ríen ante las caras de mis personajes, o se quedan sorprendidos: sin comentarios.

Tu obra, es esencialmente artesanal ¿Qué piensas del uso del ordenador? ¿Crees que facilita el trabajo a los ilustradores o por el contrario es una barrera a la hora de experimentar?
B.A.> El ordenador es un instrumento extraordinario que me gustaría saber usar con soltura. Para mi, aún es un gran misterio lleno de obstáculos. Creo que una ilustración realizada con el ordenador y una tradicional son, de hecho, muy diferentes, pero la clave está en la emoción que se llega a transmitir, y por lo que respecta al proceso artístico, al deseo personal del autor. Yo amo la relación directa con el papel, adoro el ruido del lápiz sobre la hoja, el olor del pegamento, y miles de otras cosas de las que no quiero alejarme. Probablemente tengo mucho que aprender y entender aún de mi relación con lo artesanal antes de dar el salto al medio tecnológico.

Beatrice lleva más de 10 años publicando en todo el mundo, y, a pesar de que tuvo que moverse de Italia a París para iniciar su andadura como ilustradora y autora, ahora mismo su obra está traducida en más de 10 idiomas.

Sobre el panorama editorial actual ¿qué piensas de los álbumes ilustrados que se están publicando?
B.A.> Creo que depende mucho de los países. Solo conozco bien la edición en Italia y en Francia. En Italia, por ejemplo, ha cambiado muchísimo en los últimos cuatro o cinco años: los editores están evolucionando gracias a decisiones más valientes y diversas. Ahora mismo, hay libros que era impensable que se editaran hace cinco o seis años. Editores como Topipittori u Orecchio Acerbo, han contribuido directamente a esta renovación cultural. A su vez, creo que en Francia, mi país adoptivo, se están acomodando o incluso están retrocediendo hacia decisiones más banales y repetitivas, que no hacen honor a la fama vanguardista y contracorriente que tuvo la editorial infantil francesa en los primeros años de la década de los noventa y el dos mil.

…siempre hablamos de álbumes para niños. Tengo la sensación de que las editoriales no terminan de arriesgar en la obra ilustrada para adultos…
B.A.> Todavía queda mucho camino por recorrer. Lamentablemente no sé si el público adulto está preparado para aceptar que los textos vayan acompañados de ilustraciones. Es un riesgo, incluso hoy, que realmente nadie está dispuesto a asumir. Teniendo en cuenta la crisis y que el mercado editorial está saturándose, me parece comprensible.

¿Qué piensas de la auto edición? ¿Lo ves como una posible solución al problema editorial?
B.A.> ¡Claro! ¿Por qué no? Si se tienen medios para auto financiarse los proyectos propios, puede ser una gran solución para publicar. El único riesgo que se corre al publicarse a uno mismo de forma independiente es que no tienes detrás un ojo experto y conocedor, como el de un editor, que te guíe y aporte cambios, a menudo muy útiles, en tus primeros proyectos.

Afortunadamente, Beatrice si ha tenido editores detrás de ella, y su obra ha llegado también a España, donde tenemos la suerte de contar con algunas traducciones de sus obras. Solo tenemos que movemos un poco por librerías, para conseguir obras que todavía no han asomado la cabeza en la editorial española.

Uno y Siete (Ediciones SM, 2003) y El paseo de un distraído (Ediciones SM, 2007) son dos adaptaciones de las historias de Gianni Rodari y de las primeras obras que Beatrice publicó en España. En la segunda, podemos ver unas de las escenas de personajes más bonitas de la obra de Beatrice, en las que casi podemos imaginar las voces y movimientos de los actores, como si se trataran de pequeños teatrillos de marionetas.

Omega y la osa – Ampliar

Las enormes páginas de este libro hacen que las ilustraciones de Beatrice tomen vida propia, y que utilizando fotografías, texturas de otro mundo y perspectivas imposibles, nos enamoremos de Omega y de su Osa.

Un león en París – Ampliar

De ¿Qué es un niño? ya hablamos en navidades, pero no está de más recordar que se trata de un álbum vertical, centrado en retratos, o primeros planos, de niños reflexionando sobre su condición como tales, y cuyos textos también son de Beatrice.

Mi amor – Ampliar

Por último, de su bibliografía editada en España, está Cancioncillas del Jardín del Edén – 28 canciones Judías- (Kókinos, 2009), que forma parte de una maravillosa colección de la editorial Kókinos (Un libro, un cd), donde se recopilan canciones infantiles populares de todo el mundo, marvillosamente ilustradas por autores excepcionales. Otros títulos de la colección son A la sombra del olivo (El Magreb en 29 canciones infantiles), Canciones infantiles y nanas del Baobab (El África negra en 30 canciones infantiles), y Canciones infantiles y nanas de Babushka (29 canciones infantiles eslavas) y Cancionero Infantil del Papagayo.

Después de tantos años en la ilustración ¿Qué proyectos de futuro tienes?
B.A.> Voy a intentar trabajar como editora durante un tiempo. Me lo han pedido, y después de muchas dudas he decidido intentarlo. Lo haré sin tomarme muy en serio, y sobretodo con mucha humildad. Yo soy escritora e ilustradora, no he tenido nunca formación como editora, pero creo que tengo una visión adecuada sobre los textos e ilustraciones de los álbumes para niños. A parte de ser mi pasión y sustento desde hace años, siempre he tratado de ver qué funciona y qué no funciona en los libros que tengo delante. Mi gran defecto es la exigencia extrema, que espero poder corregir en esta nueva faceta.

Y a parte de editar ¿no has pensado nunca en hacer animación?
B.A.> He hecho un pequeño cortometraje a partir de una fábula de Gianni Rodari La passeggiata di un distratto (editado en Francia por Seuil, en 2005, y en España por SM, en 2007). Es un pequeño corto de 6 minutos, realizado en stop motion, es decir: fotograma a fotograma. Los personajes eran marionetas que hice yo misma, y también los decorados y la voz que narra. Ha sido una experiencia maravillosa crear todos los elementos y ver en pantalla cómo se movían las marionetas y los decorados. Es un trabajo muy largo y laborioso. Me gustaría mucho repetir la experiencia, pero creo que la siguiente vez lo haré con un equipo detrás, y con apoyo económico.

Hablando de apoyo económico ¿Se puede vivir de la ilustración? ¿Podrías vivir sin ella?
B.A.> Hace muy poco que he logrado vivir exclusivamente de la ilustración, tras diez años de trabajo. Creo que aunque cambiara completamente de trabajo, seguiría escribiendo historias y dibujando, porque me resulta doloroso cuando paso un tiempo sin dibujar. Además, en cuanto una imagen aparece ante mis ojos, siempre quiere contarme alguna cosa.

_{La entrevista ha sido realizada en Enero de 2010, con traducciones de Carlos Acevedo y Giulia Rinaldi.}

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En los últimos años, no ha habido mejor ocasión para hablar del clásico Donde Viven los Monstruos (Where The Wild Things Are) de Maurice Sendak, que el estreno de la última película de Spike Jonze, en la que adapta o más bien expande el cuento contra la gran pantalla.

Max es un niño como cualquier otro, al que le castigan yendo a la cama sin cenar. Una vez en su habitación, un universo crece a su alrededor, y ayudado por un pequeño bote, Max puede llegar allí donde viven los monstruos, convertirse en el rey de todos ellos, y aún así, llegar a tiempo a su habitación donde le espera su cena aún caliente.

La de Sendak, es una historia perfecta con los ingredientes indispensables para que así sea, y que con una cantidad ínfima de elementos sintetiza ese estado mental convulso tan propio de la infancia. Es, en definitiva, una obra redonda que no permite recortes, elipses ni síntesis, y por este motivo, todas las mutaciones que ha sufrido no pueden ser otra cosa que evoluciones de sus elementos básicos. Son 336 palabras (en su versión original), 40 páginas, 19 ilustraciones, 6 personajes secundarios y 1 personaje principal los se convierten en las partículas únicas, justas y necesarias para la creación de un universo que crece.

Y ahora, y sin que sirva de precedente (lo prometo), permítanme parametrizar la cosa: Considerando que la velocidad de lectura media es de unas 200 palabras por minuto y que tardamos pocos segundos en comprender una imagen, podemos decir que un adulto tardaría entre 5 y 6 minutos en una completa lectura y comprensión de Where The Wild Things Are. Si tenemos en cuenta que no es posible eliminar ningún elemento original —ya que todos son básicos—, cualquier adaptación del cuento añadirá, por narices, tiempo y nuevos ingredientes a esta experiencia.

Aunque el caso de Jonze —del que hablaremos luego— es quizás de los más exagerados, existen otros ejemplos que ilustran el caso.

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Elongación respecto al original: 0%

En las primeras adaptaciones del cuento, encontramos un corto de animación producido por la Krátký Film (Praga) en 1973 y dirigido por Gene Deitch. Esta primera adaptación —de la que se hicieron dos versiones—, es poco más que un pase de diapositivas de las ilustraciones originales, rudimentariamente animadas, y con voces en off de Allen Swift y Peter Schickele.
La versión narrada ocupa poco más de 6 minutos, y al ser una reproducción exacta de su obra original (no es más que una traslación de formato del cuento) no requiere de su modificación.

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Elongación respecto al original: 550%

En los 80, junto a Oliver Knussen, Sendak adapta los cuentos Where The Wild Things Are y Higglety Pigglety Pop! al formato ópera, ocupándose de los libretos de ambos (las dos óperas infantiles fueron editadas en formato CD en 2001 por Deutsche Grammophon). En la versión musical del cuento, empiezan a aparecer elementos expansivos de la obra original inyectados por el propio autor. Por ejemplo, una subtrama con los monstruos y la adquisición de nombres de todos y cada uno de ellos (que en su formato original eran anónimos), son elementos que construyen esta obra de 40 minutos.

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Elongación respecto al original: 650%

Y si existe versión recitada y cantada, es obvio que existe la bailada. El ballet de Where The Wild Things Are data de 1996. Fueron el coreógrafo Septime Webre, el compositor Randall Wolf y el propio Sendak (quién diseñó hasta los vestidos de los personajes) los que convirtieron el cuento en una obra de 45 minutos (en la misma línea que la ópera) y que ha sido representada por múltiples ballets en todo el mundo.

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Elongación respecto al original: 1600%

En lo que a grandes producciones se refiere, encontramos, ahora sí, la adaptación al cine de Spike Jonze, que, como decíamos, crea junto a Dave Eggers un hilo argumental para los personajes secundarios que es un amplificador de la historia principal. En él, vemos la volubilidad, las contradicciones, la irracionalidad y los sentimientos al límite de Max —o de un niño estándar— aplicados a los monstruos que, en un principio, no pueden o no deberían tener esas emociones, ya que la relación entre ellos es esencialmente adulta. Es por este motivo que el reflejo de Max en los monstruos, genera más caos, si cabe, y una gran sensación de intranquilidad y mal rollo que, claramente, ya estaban presentes (aunque tamizadas) en la obra original.

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No contentos con esto, Dave Eggers, el co—guionista de la película de Jonze, publicó a final de año en Mondadori, un libro que es nada más y nada menos que la novelización del guión de la película, o lo que es lo mismo: la expansión total del universo de Max. Como dice Eggers en el libro, Jonze quiso que explicaran cómo eran los monstruos y no dónde vivían, y exactamente eso es lo que hace Eggers con todos los personajes a lo largo de 224 páginas. Eggers detalla a la familia de Max, generándole un entorno y unos motivos (que en la versión original no son necesarios) para explicar su angustia. Se explican muchos elementos que en la película tampoco existen debido a las elipsis que permite lenguaje cinematográfico.

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Y como cualquier historia de éxito que se convierte en producto y entra en la maquinaria de la mercadotecnia, el salto a mundo real y a lo palpable era inevitable (muñecos, tablas de skate, zapatillas deportivas, ropa, el videojuego, objetos varios, etc.), Max y sus Monstruos saltan al mundo real para vivir en él una vida.

Where The Wild Things Are es, entonces, lo opuesto a otros clásicos como Alicia en el País de las Maravillas, en el que la obra original corresponde al elemento más detallado y elongado de toda una serie de adaptaciones y mutaciones que se ven obligadas a recortar su argumento e intención todo el tiempo hasta llegar a la absurdidad y el sinsentido. ¿Alguien ha entendido alguna vez el argumento de una versión ilustrada de 10 páginas de Alicia sin conocer el original? ¡Levanten la mano!
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Bonus track: En 1983, John Lasseter (director creativo y co—fundador de Pixar) estaba trabajando en Disney como animador y realizó el primer test mezclando animación tradicional, 3D y ordenadores. Lasseter utilizó el cuento de Sendak como guión, pero lamentablemente este test nunca siguió adelante. Lasseter se marchó de Disney, abandonando ahí los derechos de los personajes y la obra. Aún así, pueden ver un fragmento pinchando aquí

Estas fiestas no tienen que ver —o no del todo— con los regalos, ya que hay gente que no puede recibirlos, ni hacerlos. Tampoco tiene que ver con ser pequeño, ni con pasar frío, y muchas veces, incluso dentro de nuestro país, no tienen que ver ni con las tradiciones que todos tenemos en la cabeza…

En Fantasmas y Trasgos Unidos con algunas recomendaciones de Pati de Llibres ¹, hemos recopilado una serie de álbumes que ilustran diferentes aspectos de estas fechas y nos ayudan a identificar esos pequeños momentos que hacen que todos las llamemos igual: Navidad.

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Este muñeco de nieve de La Galera, no es más que la reedición del clásico de Raymond Briggs de 1988, publicado en su momento por Altea, y reproduciendo, respetuosamente, el formato original. No podemos hacer más que alegrarnos por la iniciativa de la editorial al reeditarlo, porque ha permitido que los que no conocimos esta tiernísima historia en su momento, hayamos tenido acceso a ella y no haya desaparecido para siempre. Briggs nos explica, con sus lápices de colores pasteles, la historia muda y un tanto contemplativa del encuentro y el desencuentro de un niño con un muñeco de nieve. Repartiendo la historia en viñetas y grandes ilustraciones que se moldean en función del ritmo de la narración, el autor nos explica cómo el protagonista, en un plano entre la vigilia y el sueño, muestra el mundo humano al muñeco de nieve y posteriormente el muñeco hace lo propio con el suyo. El desencuentro se produce, como os podéis imaginar, la mañana siguiente.

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Este álbum es quizás el menos navideño de todos en cuanto a lo que la festividad se refiere, pero probablemente es el que mejor refleja a los protagonistas de estos días. Beatrice Alemagna propone una reflexión de la condición infantil y, por contraposición, de la adulta. Trata de dar significado a una de las etapas más cortas del ser humano donde, siempre desde un contrapicado, observamos qué cosas pasan en el mundo, y por qué pasan. La autora de esta impresionante obra centra toda la atención de sus dibujos en primeros planos de niños en proceso de compresión de por qué lo son, y en qué se convertirán, y dan respuestas claras a sus lectores —a otros niños— a la vez que nos inocula a los adultos ese gusanillo que creíamos que se había ido.

Beatrice cuida el más mínimo detalle, y nos regala unas guardas interiores preciosas. Utiliza todos los materiales y técnicas que tiene a su alcance para crear personajes que trascienden el feísmo para convertirse en las criaturas más adorables que podemos imaginar, y merece (y tendrá) una columna especial dedicada a su obra.

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Es invierno y nieva. Se acerca una fecha importante, y Morro (un gato doméstico) quiere hacer un regalo a su compañero Conde (un perro), pero Conde tiene todo lo que un perro podría desear ¿qué regalarle a alguien que lo tiene todo? a lo largo del álbum ésta será la pregunta que Morro tendrá que descifrar si quiere impresionar a su amigo.

¿Nada? es el primer libro infantil de Patrick McDonnell, autor de la laureada tira Mutts: una tierna mezcla de Calvin y Hobbes y Peanuts protagonizada por un perro y un gato (Earl y Mooch) que saltaron en 2006 al formato álbum y en su edición española pasaron a llamarse Morro y Conde.

McDonnell libera a los dos personajes principales de Mutts a los que solemos ver enmarcados por un cuadro, y los sitúa en grandes superficies blancas con un pequeño toque de color para explicarnos una sencilla historia de valores muy básicos como la amistad o el desapego a lo material, planteando ingenuas —y a la vez complejas— preguntas que solo un niño podría hacer.

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Teresa es una abuela que vive en el campo alejada de todos y todo, tanto que espera con deseo poder ver a sus 10 nietos en navidades, pero tiene un problema que le quita el sueño: Teresa no tiene dinero para comprarles regalos a todos y solo tiene un pequeño paquete que ganó en un concurso de baile y que había decidido guardar para poder regalárselo a alguien algún día. El ingenio de la abuela tendrá que agudizarse, y con la ayuda de sus animales de granja tendrá que salir al paso de la situación.

Regalos es un precioso trabajo acrílico mezclando técnicas digitales, del ilustrador argentino Poly Benatene, creador de hermosos ambientes, y personajes entrañables. El álbum, a pesar de estar editado por primera vez en Argentina en 2007, llega a España de la mano de SM Ediciones estas navidades en un momento ideal. Igual que ¿Nada? la historia nos viene al pelo de los tiempos que corren.

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Es día uno de Enero, y una familia se pone en pie a las nueve de la mañana por la llamada de un mensajero que trae un paquete. El paquete no tiene remitente, tan solo una nota: ‘Soy el número 1, alimentadme cuando sea oportuno’ y después de ver la portada de este álbum de grandes dimensiones ¿qué podría haber dentro? Efectivamente: un pingüino. El primero.

365 pingüinos es una historia numérica y de caculometría, de ingenio y malabarismo en la que una familia recibe durante un año entero, un paquete cada día con un pingüino dentro. La sufrida familia tendrá que idear divertidísimos sistemas de almacenaje de pingüinos y también de cálculo: hay que saber en todo momento cuántos pingüinos tienen en casa. La resolución del misterio de los pingüinos tendrá que esperar al siguiente día uno de Enero.

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El niño perdido fue el ganador del Premio Internacional de Ilustración 2008 de la Fundación SM, y en él, Tàssies (historietista de El Periódico de Catalunya), ilustra a lo largo de 32 páginas a todo color el recorrido de una niña que, el día de Reyes, sueña que el niño Jesús se ha perdido y debe ir a buscarlo. El niño perdido, en realidad, tal y como explica el propio Tàssies en el número 215 de la revista CLIJ (Mayo 2008) habla “del recuerdo de nuestra guerra civil, que la tenemos muy cerca. (…) de esperanza, ternura, de las personas que sufren, que pierden su hogar, que tienen que ir a campos de refugiados y también de pasadas generaciones que, en tiempos difíciles, siguen adelante”. Con una paleta de color tenebrosa, figuras angulosas, y con la excusa de la noche de Reyes, el autor nos imbuye en un mundo laberíntico donde todo puede ser mejor.

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A Olivia, como a Teo, poco le quedaba por hacer salvo recibir las Navidades como Dios manda. Ian Falconer es el ideólogo la serie de libros Olivia, que tienen como protagonista a la hija mayor de una familia de cerditos compuesta, además, por dos hermanos menores (Ian y William) y unos padres que poco tienen de cerdos. Olivia ya ha salvado un circo, encontrado un libro, ha aprendido a contar, y en esta ocasión, espera ansiosa la Navidad (o más concretamente a Santa Claus). Sólo falta un día, pero éste es uno de los más intensos de su vida: tendrán que preparar el árbol de navidad, los calcetines, la cena y todos los preparativos que requiere un día así y que sólo puede terminar con los tres pequeños agotados en la cama. Olivia recibe la Navidad sigue con los colores y línea que definen a esta serie de ilustrados, e incorpora elementos narrativos como las páginas con solapa que forman enormes pósters y hacen avanzar la historia sin irnos del escenario.

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El muñeco de nieve no es el único libro de Briggs al que La Galera le ha sacado el polvo. Este año le ha llegado el turno a Papá Noel: otro álbum navideño en formato cómic, que fue publicado por primera vez en España en 1983 por la Editorial Miñón y en el que, al igual que El Muñeco, el uso de las viñetas va completamente de la mano de la narración. En esta ocasión se nos muestra un lado del Papá Noel al que no estamos acostumbrados, al Papá Noel malhumorado que preferiría estar en Brasil a tener que pasar frío sobre un trineo, pero que, a pesar de todo, tiene que hacer su trabajo cada año. Este álbum de Briggs no es técnicamente mudo, aunque a la práctica lo es. La verdad es que podríamos obviar perfectamente los globos en los que Noel se expresa para entender la historia, si no fuera por que la redundancia de texto e ilustración lo hace de lo más gracioso, y la verdad es que a pesar de los años: funciona como un tiro.

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Otra reedición, aunque esta vez más clásica es Diez Angelitos, un cuento de Wez-Viëtor de 1932 en el que 10 angelitos, van ayudando una a una a 10 personas diferentes. Poco se puede decir de este cuento salvo que rescata los valores más cristianos y (si me permiten la expresión) rancios de la Navidad, que mal que nos pese, siguen siendo universales y perennes. Diez Angelitos no tiene más interés que, por un lado, la reproducción del formato original en la que se ha respetado hasta el troquelado superior donde van apareciendo las cabecitas de los ángeles sucesivamente conforme van interviniendo en la historia, y por el otro, los dibujos amables de Wez—Viëtor que siguen provocándonos nostalgia y ternura a pesar de todo.

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Terminamos esta lista de ilustrados navideños con Antípodas, el ejemplo claro de que el espíritu navideño no entiende de lugares. Con un sencillo texto y las minuciosas ilustraciones de Norman Junge, una niña levanta una hoja de papel de su escritorio. En ella hay un Papá Noel, y… ¿qué hay debajo? Pues otro papel, y debajo otra hoja de papel, y debajo, una mesa, y debajo está el suelo, y debajo del suelo hay un sótano… y debajo, debajo, debajo, llegamos a ¡las Antípodas!… ¿Y qué hay en las Antípodas? Ya os aviso ¡que no son renos en bañador!

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¹ Pati de Llibres es una librería especializada en libros infantiles y juveniles en Sant Cugat —Barcelona—, llevada por tres libreras excepcionales a las que agradezco encarecidamente su colaboración y criterio. Podéis encontrarlas aquí y también aquí

Podríamos decir, que en los países editorialmente civilizados existen una serie de proyectos alternativos que, gracias al apoyo de una serie de mecanismos estatales, no están condenados antes de existir. No tienen la obligación de rendir cuentas con el mercado a final de año y, si la tuvieran, podrían hacerlo ya que la sola existencia de este tipo de proyectos ha preparado al lector para recibirlos con los brazos abiertos. Sin embargo, aquí y en el resto del mediterráneo no es así. Son considerados como proyectos arriesgados y quedan relegados a lo que los propios creadores denominan como libros de autor (o de artista) y que, por su naturaleza, automáticamente quedan fuera del círculo comercial tradicional. Se convierten en transeúntes de canales alternativos que, al no entrar en el gran mercado, carecen de valores como la consciencia de autor —al no estar integrados en el mismo ensamble que sus iguales— y, en cierto modo, el hecho de no someterse a la crítica o al mercado tradicional genera que no se reformule su obra ni que se produzcan nuevas propuestas.

En el primer mundo editorial, precisamente por el hecho de tener el mercado minado de alternativas (que, con el tiempo, han dejado de ser arriesgadas), los canales alternativos van cargados de proyectos interesantísimos que en España serían impensables. Estamos hablando de, por ejemplo, proyectos tan llamativos como la publicación de lo que llamaremos a partir de ahora mini autores: publicación de obras creadas por niños utilizando el mismo engranaje con el que se publican al resto de autores y ensalzando exactamente los mismos valores de unos y otros. Y eso me encanta.

Alemania es, quizás, el ejemplo más formal de la autoedición de mini autores, hasta el punto en que el sistema BuchKinder —que asegura mejorar el rendimiento de los más peques— está siendo integrado en los planes de estudios de algunos colegios públicos.

Otro proyecto de motivaciones similares lo podemos encontrar en Francia. Le Chien Tomate es el proyecto editorial de un padre y una madre (ilustrador y colorista) que desde marzo de 2008 editan de forma independiente una colección de cómics para niños a partir de tres años llamada C’est l’histoire… Su hija Jade de cuatro años, al igual que los niños en Leipzig, idea historias que los padres transportan en formato libro, generando así esta peculiar colección cuyo subtítulo es «Une histoire de Jade, dessinée par son papa, mise en couleur par sa maman.» Le Chien Tomate, no existe en formato papel, o no al menos en las tiendas. A través de la web se incita a la descarga, impresión y montaje de todos sus libros de forma gratuita, con lo que la autoedición no la realizan ellos mismos sino el propio lector: trasladan el proceso de encuadernación e impresión que reclaman Buchkinder a la casa de los niños que van a leer los cómics, haciéndoles partícipes del proceso de producción.

Pero, ¿y en España? Comenzábamos esta columna diciendo que a pesar de que aquí no existen proyectos así de arriesgados, parece que el camino se ensancha… y curiosamente es gente que viene de fuera para iniciar proyectos que, tal vez, sean el comienzo de una larga tradición en base a la auto publicación.

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Julia imparte, además, talleres de autoedición para niños en la misma librería, donde «cada niño crea su propio libro: libros gigantes, libros pequeños, en forma de acordeón, de tela… » y según Julia, es una forma de que los niños exploren su lado más creativo. «La escuela les formatea con repertorios totalmente estereotipados, necesitan este tipo de actividades.» Pero, y a pesar de que los talleres de Julia incluyen el proceso de edición de la obra, de momento no hay ninguna idea de publicarlos, «para publicarlos habría que conseguir algo muy especial, el hecho de que esté hecho por un niño a lo mejor no es suficiente. Con los niños sucede que a veces hay grandes ideas e historias, pero gráficamente resultan pobres.»

Como Pedro por mi casa, como decíamos, no es el único festival de ilustración y publicación independiente que se diversifica en otras ramas: uno de los proyectos más jóvenes y que convoca a una mayor cantidad de gente en activo en este momento es el Festival Ilu·Station, orquestado por Manu Vidal, la gente de Mamut (Maxi Luchini y Ed), y Didier Torres (del colectivo Misma).

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Ilu·Station se auto denomina como Festival Independiente de Ilustración, y por ahora, tiene lugar únicamente en Barcelona (con prospección de trasladarse a Toulouse en forma de intercambio). En este festival podemos encontrar una gran cantidad de fanzines en las que el cómic no es su lenguaje principal y, a diferencia de otros eventos como el Encuentro Interplanetario de Fanzines, la propuesta se ha ampliado a diferentes ámbitos de la ilustración.

Pero como decíamos, cuando las necesidades primarias empiezan a estar más o menos cubiertas (dar salida a ciertas publicaciones), pasamos a otras cosas: Ilu·Station ha ido mutando y ha pasado de ser un festival de fanzines y objetos relacionados con la ilustración,a tener varios tentáculos interesantísimos. Impulsados por la línea para más pequeños de la editorial Mamut, Maxi Luchini y Ed, han incorporado a este festival una de las actividades que ya estaban llevando a cabo por libre: talleres de cómic para niños o, como ellos lo llaman, Mi Primer Cómic. «En Mamut tenemos dos colecciones: Mamut +6 para niños de más de 6 años y Mamut +3, que son historias mudas para que los más pequeños se relacionen con el lenguaje del cómic. Ahora mismo es la única colección de estas características que hay en España.»

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No será hasta estas Navidades cuando los peques tomen por completo el control de la segunda edición de Ilu·Station, del 12 de diciembre al 3 de enero, con un especial Caga Tió (tradición catalana que vale la pena estudiar antropológicamente), en el que las actividades infantiles se sucederán paralelamente a la exposición de versiones del Caga Tió realizadas por diferentes ilustradores.

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Habrá que ver, si después de todo esto, nace una pequeña colección de mini autores en Mamut, o Julia se decide a poner en los estantes de La Central los resultados de sus talleres. ¡Mini autores al poder!

(1) Todas las actividades estarán en el blog de Ilu·Station y en la librería Abracadabra.